De Guitarra y algo más.

Como estudiar - Técnicas de estudio

Introducción

Parafraseando a Karl Leimer *(reconocido pedagogo del piano) podría decir yo también que en mi experiencia de docente tanto en la guitarra como en la dirección coral, ninguno de los aspirantes y alumnos que se acercaron para estudiar conmigo o cantar en mis agrupaciones, a pesar de tener talentos musicales comprobados y de haber recibido enseñanza previa de reconocidos maestros (sobre todo guitarristas) ninguno digo demostró tener conciencia de una manera correcta de estudiar. Lamentablemente muy pocos maestros le dedican tiempo suficiente a esta materia, que considero base fundamental para el desarrollo y posterior realización de un buen intérprete y artista.

Inclusive muchos guitarristas ya con prestigio y años de carrera artística, en su manera de tocar y frasear y sobre todo por su enfoque rítmico mostraban fehacientemente sus deficiencias en este sentido.

Estudiar una partitura y su posterior interpretación y realización musical y artística, no depende tanto del talento natural del alumno, como del análisis e inteligente solución de los puntos básicos de su estudio.

Veamos estos puntos en orden de prioridades:

1)      Estudio mental previo

 

a)  Tomar una composición sencilla (minuetos de Sor, estudios de Carcassi , Tárrega, lecciones de Aguado etc.)

b)   Relatar escribiendo con detalles la estructura melódica, rítmica, contrapuntística y armónica de  la pieza por ej. <Escrita en ¾ -en la tonalidad de la menor, comienza en anacrusa de corchea do 3er espacio seguido en el primer compas  con negra mi 4to espacio y luego corcheas descendentes del re al la en staccato con regulador que cierra… etc.>

De esta manera y asumiendo un trozo cada día vamos visualizando la partitura hasta completarla en una fotocopia mental. Al completar el estudio consciente de todos los trozos debemos estar capacitados para escribir de memoria toda la pieza. Este procedimiento empleado conscientemente en obras muy sencillas y fáciles desarrollara la facultad creciente de abordar con la misma técnica de estudio Obras más complicadas y difíciles.

 

Hasta aquí la fijación grafico musical mediante la reflexión mental.

 

c)      Enseguida debe el alumno esforzarse en ejecutar la obra con perfección cada vez mayor, en el más amplio sentido: fuerza e intensidad de sonido, digitación, género de toque, duración de las notas, estilo, dinámicas, articulación, fraseo. La manera más rápida y acabada de lograr esto lo proporciona la concentración intensa de todas nuestras facultades mentales. Es un trabajo cansador, sin embargo, lo contrario, la manera usual de estudiar mediante la repetición de los pasajes difíciles innumerables veces, sin ninguna o muy escasa concentración, poco a poco almacena los  problemas técnicos en el subconsciente (en los dedos) resultando que la habilidad lograda de esta forma, confiere poca seguridad, pues la falsa memoria deja a menudo en la estacada al ejecutante y la limpieza impecable rara vez se alcanza por completo. Queda una sensación de inseguridad que aumenta el nerviosismo y acrecienta el temor ante la presentación en público. La mayoría solo conoce y aplica este método deficiente, que resulta más cómodo que el difícil trabajo mental intenso y por eso se lo prefiere.

 

2)      Factores estructurales de una partitura.

 

a)      Ritmo: definición de ritmo: movimiento ordenado (o sin orden aparente en la música de vanguardia). El termino ritmo designa en general todo movimiento medido en unidades de tiempo que se produce por el retorno regular o irregular de los contrastes. El termino *metro* implica la designación para los tiempos contables y la suma de ellos. Por supuesto en la música contemporánea el metro es suprimido total o parcialmente, estableciendo parámetros cronométricos (segundos) o trozos no mensurados (sin compases ortodoxos) dejando al azar eventual de cada ejecución, el fluir rítmico (aleatorismo).

b)      En la música contemporánea encontramos la poliritmia  que contiene la polimetría horizontal (cambios  sucesivos de compas) y polimetría vertical (distintos compases superpuestos). Estas estructuras rítmicas y métricas de la música moderna contemporánea constituyen un punto álgido en la enseñanza actual del instrumento, la desinformación y falta de formación adecuada en muchos maestros, contribuyen a la ignorancia y exclusión de este rico mundo sonoro que permanece inusitadamente ajeno, a nuestros más conspicuos concertistas de guitarra y por ende a sus alumnos. Toda una teoría para la medida (en los patrones básicos de dos, tres, cuatro, cinco y seis tiempos usualmente de negras) de los compases compuestos, según se agrupen las corcheas en grupos de 2,3 y 4 unidades de tiempo, se imparte en los estudios de dirección coral y orquestal y lamentablemente no se aplica, actualizando los métodos conocidos, en los estudios de teoría y solfeo de nuestros conservatorios y escuelas de música.

Cuando se ha conseguido que el alumno oiga las más pequeñas fracciones de tiempo y las más sutiles diferencias agógicas, dinámicas, de toque, de timbre, de color e intensidad habrá progresado tanto en el desarrollo de su oído, que sentirá mejor y con mas agudeza y exactitud que otros, que al cabo de años de estudios improductivos no oyen estas diferencias sutiles, porque no comprendieron la importancia del desarrollo de un buen oído musical y artístico.

Esto vale para frasear con exactitud métrica, libertad rítmica y  melódica, líneas independientes (polifonía) o en acordes (notas importantes de la armonía). Vale para las sutilezas dinámicas (intensidad, color, tempo, agógica, timbre, consistencia del sonido, articulación y duración de las notas entre el ppp y el ff)

Una vez agudizado el oído a este  nivel. Estas sutilezas se aplican a un buen fraseo que implican un conocimiento y comprensión de las micro estructuras (motivo, semifrase , frase,  periodo, imitación, strettos y su aplicación en los desarrollos de las ideas) logrando así un discurso claro y comprensible que nos revela dentro del todo logrado, la solida estructura de una composición musical y más aun es importante en la música contemporánea, que excede en mucho la riqueza sonora del mundo tonal.

3)      Sugerencias:

Estudiar a ciegas en pp trozos particulares de obras en proceso, lentamente hasta poder tocar toda la obra con los ojos cerrados y concentradamente con todos los matices en su rango dinámico correspondiente al PP de referencia

Estudiar acordes destacando por vez cada una de sus notas, acentuando la fuerza en la punta del dedo correspondiente y variando el toque, el color, la intensidad. Trozos de una obra en estudio o de un estudio en acordes (Villalobos, Sor, Aguado)

Estudiar trozos  polifónicos cortos que impliquen entradas sucesivas del tema y sucesivos contrapuntos libres con la articulación exacta de las notas, su duración y el fraseo de cada trozo sin que se pierda el flujo melódico independiente de cada voz.

Estudiar melodías acompañadas en acordes o arpegios marcando el contraste entre ambas texturas.

Estudiar trozos rítmicos destacando los acentos en contraste con las notas no acentuadas y destacando las armonías o los elementos armónicos (acordes o intervalos) utilizados por el compositor en función percusiva del ritmo y la métrica.

 

4)      Agógica  Definición: movimiento fluyente. <Riemann  creó  el termino agogia

Para designar las pequeñas alteraciones del movimiento no indicadas por el compositor, pero exigidas por la necesidad de mantener viva la expresión durante la interpretación>*.(Rítmica dinámica y pedal – Leimer Giesieking)

Esto debería sentirse hasta cuando el movimiento se detiene aparentemente en notas largas, en la guitarra es difícil acrecer o acelerar una nota larga, sin embargo los cantantes y los instrumentistas de viento, conocen muy bien este dinámico fluir de una nota larga que puede acelerarse y retardarse, crecerse y decrecerse con la intensidad y volumen. No obstante se puede lograr la ilusión de este fluir en la guitarra, si comprendemos perfectamente la agogica del segmento o  la pieza que estamos interpretando. Es precisamente por el dominio y comprensión de este movimiento fluyente,  como podemos identificar un verdadero artista, que a través de un previo y correcto estudio de la rítmica, la métrica y la dinámica, nos transmite el flujo vivo de una composición musical.

 Las modificaciones del movimiento tales como: rubato, accelerando, ritardando como las indicaciones dinámicas: diminuendo, crescendo etc.… exceden, considerablemente en general, las modificaciones agógicas no indicadas por el compositor.

 Desarrollar el oído hasta captar todos los detalles y sutilezas en la interpretación musical, es materia primordial de las técnicas de estudio consciente, que debe aprender indefectiblemente todo alumno dotado y ambicioso a través de un verdadero maestro con profundo conocimiento del arte de enseñar.

 

Francisco Zapata Bello.

 

Fuentes consultadas

*Rítmica dinámica y pedal – La moderna ejecución pianística por Karl Leimer y Walter Giesieking* (Editorial Ricordi Americana Argentina)

 *Claves del teclado por Andors Foldes

Les invito a escuchar El Rondo de la Grand Sonata op.22 de Fernando Sor

https://soundcloud.com/franzapata2/fernando-sor-rondo-grand-sonata-op-22